7 Nowych Trendów w Projektowaniu Graficznym 2026
Jak powiedział Tony Cade Bambara, artysta ma moc, by uczynić rewolucję bardziej atrakcyjną. To właśnie to zdanie autentycznie oddaje siłę projektowania graficznego i to, jak zmienia ono nasze dzisiejsze postrzeganie.
Współczesne trendy polegają na równoważeniu technologicznego chłodu przyszłości z ciepłem ludzkiego dotyku. Widzimy, jak projektanci czerpią inspirację z przeszłości i reinterpretują ją przez pryzmat teraźniejszości i przyszłości. Wydawnictwo Looka zauważa, że rok 2025 pokazał rosnące zainteresowanie scrapbookingiem, rękodziełem i elementami rękodzielniczymi, a także znaczenie różnorodności i inkluzywności.
Jednocześnie rośnie wpływ sztucznej inteligencji, która staje się nie substytutem, ale potężnym sojusznikiem w kreatywności.
Efekty teksturalne są nadal istotne, ale klasyczna interpretacja 3D przekształca się w bardziej organiczne motywy o ziarnistych powierzchniach. Estetyka retro również ożywa, podana z nowoczesnym akcentem.
Ciekawostką jest, że minimalizm i śmiały maksymalizm współistnieją jednocześnie w projektowaniu graficznym nowych czasów – każdy z nich znajduje swoją własną publiczność. Projektanci coraz śmielej eksperymentują z kolorami i kształtami, przełamując utarte schematy i oferując nieoczekiwane rozwiązania wizualne.
Według Designrush, projektowanie graficzne przechodzi aktywną transformację w 2025 roku i będzie ona kontynuowana w 2026 roku, ponieważ cały świat zmienia się pod wpływem zaawansowanych technologii, a w szczególności sztucznej inteligencji. Dzięki sztucznej inteligencji rozwiązania wizualne stają się głębsze, wysoce spersonalizowane i bardziej angażujące.
Doskonałym przykładem nowoczesnej interpretacji estetyki lat 70., 80. i początku XXI wieku było odświeżone logo Pepsi. To nie tylko gra słów nawiązująca do nostalgii – przywołuje poczucie przytulności i natychmiastowej rozpoznawalności, wzmacniając emocjonalną więź z marką. Nowa identyfikacja marki obejmuje bardziej wyrazisty krój pisma, przeprojektowaną kolorystykę i odważny, pewny siebie przekaz wizualny.
To podejście wyraźnie pokazuje, jak elementy retro mogą wyglądać świeżo i oryginalnie, jeśli zostaną zastosowane świadomie i ze smakiem. Według ekspertów wpisuje się to w globalny trend – odchodzenie od surowego minimalizmu na rzecz wyrazistości, indywidualizmu i wizualnej szczerości.
Badanie Simplilearn wskazuje, że lata 2025-2026 radykalnie zmienią branżę projektowania graficznego, a dzięki sztucznej inteligencji otwierają się przed nią drzwi do świata bezprecedensowych możliwości zawodowych. Co więcej, to właśnie sztuczna inteligencja wzmacnia pozycję konkurencyjną branży kreatywnej, demonstrując jej dynamikę i różnorodność.
Przyjrzyjmy się każdemu przykładowi bardziej szczegółowo.
Marki takie jak Nike i Adobe wykorzystują sztuczną inteligencję do tworzenia dynamicznych treści wizualnych, takich jak spersonalizowane grafiki reklamowe i adaptacyjne układy stron internetowych oparte na zachowaniach użytkowników.
Według badania przeprowadzonego przez Adobe, ponad 90% artystów i twórców dostrzega korzyści z wykorzystania narzędzi AI w celu poprawy jakości i produktywności swojej pracy.
Światowej sławy producent butów sportowych Nike zaprezentował prototyp nowego modelu butów sportowych stworzony z wykorzystaniem technologii sztucznej inteligencji.
Ponadto firma zaprasza fanów sneakersów do zanurzenia się w świecie cyfrowego designu dzięki nowej inicjatywie o nazwie „Air Imagination”. Projekt, który zbiega się z Dniem Air Max, 26 marca, pozwala każdemu poczuć się jak projektant, tworząc unikalne wersje kultowych modeli Air Max z wykorzystaniem sztucznej inteligencji.
Ta platforma cyfrowa to coś więcej niż tylko rozrywka – pokazuje, jak może wyglądać przyszłość personalizacji produktów w branży modowej. To kontynuacja działań Nike w zakresie projektowania sztucznej inteligencji, zapoczątkowanych kolekcją 2024, stworzoną we współpracy z profesjonalnymi sportowcami i sieciami neuronowymi. Platforma jest dostępna wyłącznie dla użytkowników z USA posiadających konto Nike.
Elementy geometryczne o różnych odcieniach i rozmiarach są coraz częściej spotykane w identyfikacji marki, opakowaniach i interfejsach cyfrowych. Nadają one wizualizacjom wyrazisty, czysty i nowoczesny charakter. Chociaż ten styl nie sprawdzi się we wszystkich niszach, sprawdza się w projektach, w których liczy się świeżość, struktura i nowoczesny wygląd.
Om, producent naturalnych kosmetyków pielęgnacyjnych, jest jednym z najlepszych przykładów zastosowania minimalistycznego designu w etykietach swoich produktów. Logo jest grawerowane bezpośrednio na szklanej butelce, co jest jednym ze strategicznych kroków w upowszechnianiu zrównoważonych opakowań i ograniczaniu negatywnego wpływu na środowisko.
Również meksykańska firma Manuvo wyznacza trendy w projektowaniu w stylu prostej geometrii.
Marki luksusowe nadal stosują minimalistyczne elementy w odważnym wydaniu, takie jak Balenciaga czy Céline z powiększonymi czcionkami i wyrazistym brandingiem wizualnym.
Chodzi o osiągnięcie śmiałego, wyrazistego efektu za pomocą minimalistycznych elementów – przejrzystych układów, ograniczonej palety kolorów i prostych kształtów – ale jednocześnie nadanie tym elementom najbardziej pewnej i wyrazistej formy.
Amerykańska marka smacznych i domowych przekąsek Hostess wprowadziła nowe logo i design swoich produktów. Teraz miłośnicy słodyczy będą mogli szukać na sklepowych półkach nowocześniejszych opakowań, które, według przedstawicieli firmy, dostarczą klientom nowych emocji i wrażeń.
Ponadto, dzięki nowemu designowi, marka chce przyciągnąć młodsze pokolenie do swoich produktów.
To podejście odzwierciedla pragnienie naturalnej niedoskonałości w erze, w której wizualne otoczenie jest przesycone nieskazitelnymi, „gładkimi” obrazami generowanymi przez sztuczną inteligencję. Zastosowanie tekstur i ziarnistości dodaje głębi, wizualnego ruchu i charakteru.
Na przykład szwedzka marka modowa Acne Studios regularnie wykorzystuje ziarniste tekstury w swoich kampaniach i lookbookach. Ich wizualizacje łączą minimalizm z wrażeniem „analogowej” fotografii – jakby kadr został nakręcony na kliszy, a nie retuszowany w Photoshopie. Tworzy to wrażenie intymności i autentyczności.
Rebranding brytyjskiej firmy Burberry powraca do bardziej wyrazistej prezentacji wizualnej. Wiele materiałów promocyjnych wykorzystuje ziarniste zdjęcia, efekty filmowe i teksturowane tła, aby stworzyć nostalgiczną, a zarazem nowoczesną atmosferę.
Jest to szczególnie widoczne w branżach takich jak przemysł spożywczy i napojowy, gdzie autentyczność i „ludzka twarz” marki są ważne. Jednak firmy technologiczne również coraz częściej sięgają po to podejście, aby stworzyć cieplejszą i bardziej emocjonalną więź ze swoimi odbiorcami.
Logo Popup Bagels jest tego doskonałym przykładem – wygląda, jakby zostało narysowane ręcznie, przekazując to samo ciepło i prostotę, co sam produkt.
Elementy rysunkowe, bazgroły, formy swobodne i ilustracje rysowane ręcznie stają się ważną częścią języka wizualnego. Ten trend nawiązuje do pragnienia przywrócenia „ludzkości” w designie i wywołania szczerych emocji u odbiorcy. Nasyca marki poczuciem radości, kunsztu i indywidualności.
The Print Club, projekt marki autorstwa Pentagram Studio, to kolejny interesujący przykład. Wyraźnie pokazuje, jak estetyka rękodzieła może wyglądać nowocześnie w środowisku cyfrowym.
Projektowanie pikselowe jest elastyczne i wszechstronne: może przywoływać nostalgię, nawiązywać do grafiki retro lub stanowić kontrast z nowoczesnymi treściami. Na przykład restauracja serwująca owoce morza w Zhuhai wykorzystała pogrubioną czcionkę pikselową i grafikę cyfrową, aby podkreślić swoją oryginalność i częściowo oddać hołd kulturze amerykańskiej.
Główną cechą punkowego designu jest jego celowy nieład: warstwowe kompozycje, wycinki, niedbałe bazgroły i ostre zderzenia wizualne.
Choć na pierwszy rzut oka styl wydaje się chaotyczny, kryje się za nim wyraźny pomysł i autorskie podejście w postaci rozmazanych lub nierównych czcionek, jakby rysowanych odręcznie, fakturowych elementów z „przerwą” (na przykład efekt podartego papieru, ziarnistości ksero, warstw farby w sprayu), ostrych kontrastów kolorystycznych (czerń z bielą, kwaśne odcienie neonowe itp.), niestandardowych kompozycji (przecinające się bryły, przesunięte kadry, naruszające tradycyjną siatkę i porządek).
Dziś graficzny design punkowy jest potężnym narzędziem ekspresji wizualnej. Pozwala wyrazić protest, wewnętrzne napięcie czy pragnienie zmiany.
Na przykład marka modowa Diesel aktywnie wykorzystuje punkowy język wizualny w swoich kampaniach. Jej plakaty reklamowe to krzyk prosto w twarz odbiorcy: podarte elementy, kwaśne kolory, rozmazane czcionki i celowy chaos. Podkreśla to anarchistycznego, buntowniczego ducha marki, zwłaszcza w liniach przeznaczonych dla młodych odbiorców.
Vivienne Westwood to prawdziwa ikona punkowego designu, nie tylko w modzie, ale także w grafice. Tożsamość, nadruki, opakowania i materiały reklamowe Vivienne Westwood przesiąknięte są estetyką chaosu: kolaże, ręczne liternictwo, surowe faktury. Punk to nie tylko styl, ale filozofia marki.
W roku 2026 projekty sportowe będą odważne, ekscytujące i pełne energii, odzwierciedlając dynamikę sportowców i emocje kibiców. Od treści w mediach społecznościowych po branding zespołów i produktów, dzisiejsze projekty łączą technologię, kulturę i emocje w nowy sposób.
Do kluczowych trendów w projektowaniu graficznym w świecie sportu należą:
Plakaty z mediami społecznościowymi i zawodnikami NBA są doskonałym przykładem.
NBA nadal przoduje w dynamicznych wizualizacjach. Plakaty play-off, prezentacje drużyn i Instagram Reels często wykorzystują powiększone czcionki kinetyczne, które rozciągają się lub obracają, symulując prędkość i siłę uderzenia.
W wizualizacjach Meczu Gwiazd NBA 2025 wykorzystano kanciastą typografię i trójwymiarową głębię, aby przedstawić energiczny ruch i atletyczną postawę.
Sztuczna inteligencja automatyzuje tworzenie najważniejszych momentów, prezentacji zawodników i animacji reagujących na ruchy publiczności. Projekty te są często wykorzystywane na Jumbotronie, w filtrach rzeczywistości rozszerzonej lub w interaktywnych treściach społecznościowych.
Jako przykład nie sposób nie wspomnieć o kampaniach reklamowych Nike opartych na narzędziach sztucznej inteligencji.
Symbioza surowości, niedoskonałości i emocji to oryginalne podejście do historii outsiderów i niszowych marek sportowych. Jako ciekawy przykład można przytoczyć wydarzenia uliczne z Red Bull Skateboarding.
Marka Red Bull wykorzystuje surową estetykę w reklamach sportów ekstremalnych – ze zniekształconymi czcionkami, kserokopiowanymi teksturami i nakładkami w stylu analogowym.
Inspirowane naturą palety stają się coraz bardziej popularne, oferując bogatą, ziemistą estetykę, która odwołuje się do pragnienia tradycji i poczucia rytuału. Na pierwszy plan wysuwają się odcienie, które przywołują spokój i poczucie zaufania, odzwierciedlając uniwersalną potrzebę spokoju, jasności i równowagi emocjonalnej.
Projektanci zwracają również uwagę na monochromatyczne schematy kolorów, które tworzą efektowne wizualizacje, zachowując jednocześnie spójny i wyrafinowany wygląd. A jeśli chodzi o akcenty, dominują odważne czerwienie i jaskrawe żółcie – te odcienie idealnie nadają się do budowania napięcia i skupienia.
Wydawca internetowy Looka wskazuje na następujące kluczowe trendy kolorystyczne, które będą napędzać design w 2026 roku:
Vista Print przeanalizowała trendy roku 2025, co pozwoliło im stworzyć listę głównych kolorów w projektowaniu graficznym na nadchodzący rok:
Na marginesie warto wspomnieć o trendach kolorystycznych przedstawionych przez ekspertów z Lummi Publishing:
W ostatnich latach nastąpił prawdziwy skok w rozwoju technologii AI, takich jak ChatGPT, Gemini i Claude, które znacząco zmieniły podejście do interakcji między ludźmi a technologią zarówno w biznesie, jak i w życiu codziennym.
Rok 2026 oznacza początek nowego etapu w ewolucji AI i jej wpływu na projektowanie graficzne. Nie tylko automatyzuje ona procesy, ale staje się pełnoprawnym narzędziem kreatywnym, analitycznym i strategicznym.
Eksperci z wydawnictwa Kittl przeprowadzili badanie, które doprowadziło do następujących ważnych wniosków:
Następnie przyjrzyjmy się kluczowym trendom w projektowaniu graficznym wykorzystującym technologie sztucznej inteligencji które ukształtują kierunek rozwoju w 2026 roku.
Anton Burmistrov wykorzystuje nowe narzędzie AI firmy Adobe do transformacji projektowania typograficznego.
Canva Magic Design + Magic Resize
Funkcje sztucznej inteligencji Canvy obejmują teraz Magic Design, który oferuje Gotowe szablony oparte na przesłanych treściach lub krótkim opisie. W połączeniu z funkcją Magic Resize, pozwala to marketerom i projektantom błyskawicznie dostosowywać projekty na dziesiątkach platform (Instagram, TikTok, YouTube itp.).
Właściciele małych firm mogą skorzystać z tej funkcji, aby przekształcić pojedyncze zdjęcie produktu w kompletny zestaw kampanii w mediach społecznościowych ze spójnym brandingiem w ciągu kilku minut.
W dniu premiery kolekcji Air Max fani zgłosili ponad 1 000 000 unikalnych projektów, które następnie Nike opublikowało w globalnej galerii i wybrało najlepsze modele do limitowanej produkcji.
Marki modowe, takie jak Heaven by Marc Jacobs, wykorzystują chaotyczne plakaty w stylu magazynów, aby odzwierciedlić buntowniczą postawę Pokolenia Z.
Na przykład platformy popkulturowe i twórcy na TikToku i Instagramie wykorzystują układy Y2K do tworzenia muzycznych dropów, modowych lookbooków i memów z przeszłości – pomyślcie o błyszczących przyciskach, pikselowych serduszkach i dziwactwach projektowych Windowsa 98.
Twórcy treści i marki promujące zdrowie psychiczne, takie jak Feel Good Club, wykorzystują rysunki i odręczne notatki w postach na Instagramie i projektach produktów, aby autentycznie nawiązać kontakt z odbiorcami.
Na przykład kampanie marek takich jak Ben & Jerry’s czy Glossier zawierają efektowne elementy wizualne, celebrujące osoby LGBTQ+, BIPOC i problemy związane ze zdrowiem psychicznym – zaprojektowane z wykorzystaniem flag równości, przystępnych palet kolorów i inkluzywnych ilustracji.
Wiele marek wykorzystuje sztuczną inteligencję do tworzenia koncepcji obrazów, a następnie nakładania na nie ręcznie rysowanych ilustracji lub spersonalizowanych notatek, aby zbudować emocjonalną więź.
Na przykład platformy kreatywne Canva i Adobe Express oferują szablony oparte na sztucznej inteligencji, podczas gdy marki takie jak Netflix eksperymentują z efektami promocyjnymi generowanymi przez sztuczną inteligencję na podstawie danych o widzach.
Na przykład marka Gymshark wykorzystuje pełnoekranowe, pionowe wizualizacje w kampaniach społecznościowych, łącząc ruchomy tekst, zbliżenia produktów i pogrubione nakładki, aby zmaksymalizować oddziaływanie na urządzeniach mobilnych. urządzeń.
Influencerzy i marki takie jak Urban Outfitters wykorzystują tę estetykę, aby ich posty były starannie dobrane, a jednocześnie swobodne – jakbyś przeglądał cyfrowy magazyn.
Na przykład wizualizacje Spotify Wrapped zawierają świecące gradienty i abstrakcyjne animacje, które odzwierciedlają nastrój muzyczny i zachowania słuchaczy.
Na przykład Duolingo wykorzystuje memy lo-fi, treści w stylu selfie i nieskrępowany humor, aby dotrzeć do odbiorców z pokolenia Z na TikToku i Instagramie.
Marki medialne, takie jak BuzzFeed, korzystają z firmowych szablonów cytatów i kart historii, aby treści były rozpoznawalne i łatwe do udostępniania.
Na przykład marka kosmetyczna Fenty Beauty wykorzystuje makiety 3D i filtry rzeczywistości rozszerzonej, aby podglądać produkty lub wirtualnie je „przymierzać” bezpośrednio za pośrednictwem Instagrama i Snapchata.
Na przykład marka modowa Dolls Kill produkuje koszulki z błyszczącymi czcionkami, wyskakującymi okienkami, emotikonami i grafiką pikselową w neonowych kolorach.
Marka odzieży ulicznej Fear of God ESSENTIALS wykorzystuje minimalistyczne projekty z pogrubionymi, wielkimi literami lub znaczącymi stwierdzeniami.
Na przykład japońska marka UNDERCOVER wykorzystuje bazgroły i chaotyczne rysunki, aby odwołać się do zamiłowania młodzieży do surowego, autentycznego designu.
Na przykład nowe kolekcje marki Vetements prezentują graficzne koszulki z chaotycznymi kolażami, przetartymi teksturami i antymainstreamowymi hasłami, inspirowanymi podziemnymi magazynami i sztuką protestu.
Przykładem jest współpraca UNIQLO z takimi serialami anime jak Demon Slayer czy One Piece, a także koszulki z motywami Naruto, łączące Gwiezdne Wojny i kulturę memów.
Autentyczność z pewnością pozostaje priorytetem, co przełoży się na surowe tekstury, ręcznie rysowane elementy i inkluzywne opowiadanie historii.
